Semaine théâtrale

Vaudeville : l’Arlésienne, mélodrame en quatre actes, de M. Alphonse Daudet, musique de M. Georges Bizet

par Gustave Bertrand

dans Le Ménestrel du 6 octobre 1872

Et maintenant parlons du mélodrame du Vaudeville. Ce n’est pas la première fois que ces deux mots sont amenés à se heurter. Nous avons vu de gros drames comme les Mères repenties, la Nuit du 24 février, Miss Multon, l’Abîme, etc., etc., qui ont fait mentir le nom du théâtre, et cela n’allait pas sans un peu de musique. Cette fois il y en a beaucoup et d’excellente : voilà toute la nouveauté.

On a jadis approuvé le Vaudeville quand il supprima les couplets de la comédie afin de l’ennoblir ; faut-il l’approuver aujourd’hui quand il introduit la musique dans le drame afin de l’enrichir ? … Posons mieux la question : ce qui ennoblissait la comédie c’était d’en retirer les flonflons puérils, la musiquette ; ce qui enrichit le drame de l’Arlésienne, c’est que les morceaux de symphonie et les chœurs ne sont pas ici des trémolos ou des rondes vulgaires comme à l’autre bout des boulevards, mais qu’ils sont l’œuvre d’un vrai musicien vraiment inspiré cette fois. Les auteurs emploient les moyens qu’ils veulent : nous regardons seulement de quelle qualité est l’inspiration, et si l’œuvre est bien venue dans son cadre.

Le cas de l’Arlésienne n’est d’ailleurs pas sans précédents : Beethoven et Meyerbeer n’avaient pas autrement procédé pour les drames du Comte d’Egmont et de Struensée, et ce n’est pas d’hier que Gounod a écrit pour les Deux Reines de M. Legouvé les préludes et les mélodrames et les chœurs que nous entendrons cet hiver à la salle Ventadour.

Parlons d’abord du drame et de son auteur. M. Alphonse Daudet est incontesté comme un fantaisiste curieux, pittoresque, naïvement ému, énergique à l’occasion, soit dans le roman, soit surtout dans les nouvelles, les courts poèmes, le conte, le fabliau provençal : pour tout cela il a une manière à lui qui se fait aimer. Maintenant sera-t-il auteur dramatique ? S’il ne l’est pas dans les conditions ordinaires et consacrées par le succès courant, il y apporte au moins des qualités curieuses, exquises, vivaces, qui n’y sont pas communes et qui n’auraient besoin que de s’allier à une plus grande sûreté demain dans le métier dramaturgique.

Un praticien, au lieu d’affecter de laisser l’Arlésienne à la cantonade l’aurait jetée en pleine action pour en tirer de puissants effets, d’autant que les effets vraiment scéniques sont rares dans l’ouvrage : c’est l’histoire d’un jeune fermier de la Camargue qui, sur le point d’épouser une fille d’Arles, apprend qu’elle est indigne de lui et ne peut guérir de son désespoir. Sa mère essaie de le distraire par l’amour d’une honnête fille, qu’il rudoie et renvoie ; puis elle veut, pour lui sauver la vie, lui accorder l’indigne qu’il aime et alors il la refuse (c’est la plus grosse scène et elle est aussitôt dénouée que présentée) ; enfin, après s’être prêté un instant à des fiançailles honnêtes, il se précipite du haut d’une tourelle et meurt sous les yeux de sa mère.

Il serait long d’énumérer les types pittoresques et poétiques, les incidents imprévus, les idylles de deux pages, les élégies naïves et touchantes un moment entrevues, en un mot les saynètes et hors-d’œuvre curieux que l’auteur a semés un peu partout, et qu’on a tous applaudis au passage. En les additionnant, on a une soirée intéressante : aussi, dès le premier soir, la réussite a-t-elle marché droit malgré les restrictions de foyer et de corridors. Les représentations suivantes, espérons-le, accuseront un succès durable.

Mlle Fargueil n’a pas à regretter d’avoir accepté un grand fils comme Abel : de tels applaudissements compensent tout. Abel, le plus fougueux des jeunes premiers, l’excellent Parade, Mlle Bartet, et tous les autres composent autour d’elle un ensemble à peu près irréprochable.

La musique de M. Georges Bizet a été moins discutée que le drame même ; elle a cette fois réuni tous les suffrages, ce dont Djamileh n’avait pu se flatter. Même alors que l’Arlésienne aura fini sa carrière au théâtre, l’ouverture de M. Bizet pourra survivre sinon dans les programmes des concerts populaires, au moins aux concerts de M. Danbé.

C’est une série de variations sur le thème de la Marche des Rois, noël attribué au roi René et très populaire dans la Provence et le Comtat : le travail contrapontesque s’alterne et s’y mêle avec le coloris et l’inspiration la plus romantique. La même marche reparaît avec non moins de bonheur, au quatrième acte sous les espèces d’un chœur en canon. Nous aimions moins l’idée de faire passer le thème en mode majeur, il y perd tout son caractère. Il y a aussi une farandole, et plutôt deux qu’une. Une des plus jolies entre toutes ces fantaisies de paysage musical est celle où les voix de femmes font jaillir librement la mélodie : le fluter fait la ritournelle et puis se mêle aux voix. La musique intervient tantôt sous forme de morceaux bien définis, tantôt par bribes ; et ce ne sont pas les plus courtes, les plus fugitives qui sont les moins heureuses.

Quant aux décors nous ne nous souvenons pas en avoir vu d’aussi beaux à ce théâtre ; celui de la plaine marécageuse de la Crau est étonnant et fait illusion. Le dernier avec son grand escalier, ses fenêtres semi-gothiques et sa magnanerie, a aussi un grand caractère.

Quel que soit le chiffre des représentations de l’Arlésienne, nous savons maintenant par expérience quelles sont les tendances de la nouvelle direction : elle ne répugne pas à l’art brillant et curieux, à la poésie, aux ressources que le cœur et l’imagination pourraient apporter au drame et à la comédie trop exclusivement vouées depuis une vingtaine d’années à l’étude de toutes les ordures ou petitesses de la vie parisienne. Le calcul eût peut-être été imprudent il y a cinq ans, il est juste aujourd’hui.

Ce n’est pas du premier coup que M. Carvalho trouvera les hommes et les œuvres de cette manière nouvelle, mais ce n’est pas non plus du premier coup qu’il fit du Théâtre-Lyrique ce qu’on l’a vu être sous sa direction. Nous avons foi en lui parce que nous sentons ce qu’il aime et ce qu’il cherche.


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Lucia Pasini (6 octobre 1872). Semaine théâtrale. Les fours noirs. Consulté le 19 juin 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/uq8b


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